Entrevista a Leopoldo Emperador

 

 Catalina de Erauso | Entrevista a Leopoldo Emperador

Las Palmas 1954. Artista autodidacta, comenzó su trayectoria profesional en 1973. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Madrid, Barcelona, Bilbao, Pamplona, Dublín, Nueva York, Caracas, Las Palmas y Tenerife. Así como exposiciones individuales en muchas ciudades españolas y del extranjero.

Premio Gobierno de Canarias a la mejor exposición en 1984. Premio internacional de escultura Peer Gynt, Oslo, 2006. Desde 2010, es miembro de la Real Academia Canaria de Bellas Artes por la sección de escultura y desde 2014, preside la Asociación Islas Canarias de Artistas Visuales.

 El patrimonio cultural en Canarias

1. El común de los mortales asocia las Islas Canarias con playa, sol radiante, plátanos y vacaciones. Ni se para a pensar que pueda tener patrimonio artístico. Quién mejor que usted para contarnos qué patrimonio cultural tiene el archipiélago. ¿Podría destacar tres obras artísticas en las islas?

La historia de Canarias es muy reciente si seguimos la cronología de occidente. Canarias se incorpora al mundo moderno en pleno renacimiento desde una sociedad arcaica y rudimentaria. El impacto que supuso para aquellos habitantes de las islas fue algo inusitado, algo a lo que no podían enfrentarse culturalmente. Pasar desde un arte “rupestre” a la pintura flamenca es inasumible para cualquier sociedad sin un proceso de “digestión”, de adaptación y comprensión. De ello, algunos rabiosamente nacionalistas, suelen sacar la conclusión de que se cometió un genocidio cultural. Nada más lejos de eso. Pero lo que realmente es preocupante fue el devenir histórico posterior de esta comunidad. Una comunidad sujeta al mestizaje, con portugueses, italianos, holandeses, ingleses, vascos, castellanos, etc… con un marcado sentido comercial, pues no olvidemos que Canarias se situó en la encrucijada de caminos en el  mismo momento histórico del descubrimiento del nuevo mundo. Jamás existió una “élite” culta que propiciara una verdadera incorporación cultural a la historia, más bien se desarrolló en la inmediatez y la precariedad. Por ello, mencionar obras artísticas destacables es una tarea ardua. Si echamos una mirada a aquel pasado prehispánico, podría mencionar, el Almogarén del Roque Bentaiga, La Cueva Pintada de Gáldar, el complejo de Risco Caído, los Podomórfos de Tindaya, los Petroglifos de La Palma, etc… todo hitos arqueológicos que en los últimos decenios si han tenido una preocupación de conservación, estudio e interpretación por parte de las instituciones. Pero más recientemente, desde que Canarias ingreso en la historia moderna, algunas pinturas flamencas traídas por algún rico comerciante y cedidas en propiedad a la iglesia y poco más, desde el punto de vista patrimonial. Canarias carece de grandes monumentos históricos. Es en la contemporaneidad, hablo de principios del siglo XX, cuando artistas como Néstor de La Torre, Manolo Millares, Oscar Domínguez, Martín Chirino, y otros menos conocidos fuera de Canarias han dejado una impronta y una obra para las futuras generaciones.  Afortunadamente hoy en día Las Palmas de Gran Canaria acoge la Fundación Arte y Pensamiento- Martín Chirino, ubicada en una fortaleza del siglo XV. Otros artistas mencionados, salvo Néstor con un pequeño museo dedicado a su obra con grandes carencias y el frustrado Instituto Oscar Domínguez en Tenerife, no están debidamente representados.

Dicho esto, mi reflexión con respecto a la primera parte de su pregunta es que, Canarias realmente, como dijo Juan Manuel Trujillo, ensayista e inspirador de la revista La Rosa de los Vientos a principios del siglo pasado: “Canarias se ignora e ignora que se ignora”.

Los artistas

• Los artistas lo son por vocación y, a menudo, toman en consideración muchas penurias para crear lo que ellos consideran que deben crear. Viven en una precariedad continua para mayor gloria después de la muerte como Van Gogh. ¿Es también así en Canarias?

No deja de ser un tópico la situación vital de Van Gogh y sus coetáneos desde la perspectiva de hoy en día. El mundo actual del arte discurre por otros parámetros, no quiero decir mejores ni peores, pero si en una situación radicalmente diferente. Hoy ser artista no conlleva la “bohemia”, con lo que ello de romanticismo implica. Actualmente, en nuestra sociedad, el artista es un trabajador más con sus obligaciones y derechos. No es posible, tal y como está estructurado nuestro entorno, ejercer de “outsider” en el mundo del arte, como sucede con cualquier otra profesión. De hecho, actualmente los artistas se deben organizar para que de una vez por todas, el estado, tenga en cuenta sus particularidades profesionales y sean reguladas. No se puede desarrollar una actividad “profesional” sin unas certezas jurídicas pues la trasparencia en el propio mercado del arte así lo demanda. El estado es un monstruo que no repara en circunstancias personales. Exige el cumplimiento de unas normas, pero estas, para los trabajadores de la cultura no están claras, están diluidas en una maraña legal.

Como ejemplo, podría mencionar que actualmente ningún artista puede vivir del trueque. ¿Qué arrendatario fiaría su modus vivendi a la “incertidumbre” de una obra de arte? Ya no existe el romanticismo.

• Se dice que Van Gogh vendió un solo cuadro en toda su vida y por el único que vendió le dieron 1 franco de la época. Es obvio que no pudo vivir del arte pero Goya sí pudo hacerlo. ¿Qué valor tiene el mecenazgo en la historia y a día de hoy en Canarias?

Como anteriormente he dicho, los artistas hoy en día, se organizan en asociaciones que les representen ante los órganos decisorios donde se “planifica” la vida profesional de todos los colectivos. Actualmente, como sabréis, en el Congreso de Los Diputados, se ha aprobado el informe de la Subcomisión del Estatuto del Artista. Documento que recoge las singularidades del sector de la cultura en cuanto a fiscalidad, seguridad social, etc…y, entre las propuestas elevadas a esa subcomisión del Congreso, está la tan necesaria Ley de Mecenazgo.

Creo que es importante que, en una sociedad democrática, el estado debe vehiculizar los mecanismos que permitan a la sociedad civil ser parte importante del desarrollo de su cultura. La cultura no puede estar sujeta únicamente a los presupuestos y voluntades de los políticos. A eso se le llama “clientelismo”.

Por salud democrática, el ciudadano debe participar y ser corresponsable de su cultura.

• Pintores y escultores siempre introdujeron ciertas dosis de protesta social en sus obras a lo largo de la historia. ¿Cómo funcionaba y funciona la percepción de la obra con marcados tintes de protesta social y cuáles son las consecuencias a día de hoy?

 

Ciertamente, el arte siempre ha sido, digamos, revolucionario. De alguna manera, sin perseguir exactamente objetivos de protesta social o política, ha alterado, desde la belleza y esto quiero recalcarlo, el Status Quo.

Tenemos por ejemplo a Michelángelo Merissi, El Caravaggio, indudablemente un outsider de su época. Frecuentaba las tabernas y los prostíbulos, y de ese mundo extrajo los modelos para su pintura. Pintura que revolucionó el barroco. Delincuentes y prostitutas le sirvieron para “carnalizar y humanizar” la iconografía religiosa que el mercado de su época le demandaba, algo absolutamente imperdonable en sus días y, de hecho, su corta vida no fue precisamente la misma que la de sus artistas coetáneos, más condescendientes con el poder. Pero con ello creó una nueva mirada sobre esta iconografía occidental y sobre el arte que ha llegado a nuestros días tal y como lo conocemos.

Educar en el arte

• El arte no es un bien necesario para la supervivencia de la especie humana, pero desde tiempos inmemoriales se ha producido arte. ¿Cómo explica usted este hecho?

Bueno, digamos que el arte no ha sido un bien necesario para la supervivencia inmediata, siempre y cuando entendamos por “necesario” el hecho material, pero ya desde los inicios, para los seres humanos, como entes pensantes y capaces de imaginar y soñar, el arte sirvió de vehículo digamos “mágico” y “chamánico”, capaz de involucrar a la tribu en un proyecto de futuro. Es decir, tuvo la función “social”, que no material, de crear comunidad. Esto es algo “religioso” sin entender el hecho religioso como actualmente lo consideramos, con sus dogmatismos, sino como el hecho de trascendencia e interpretación de los grandes enigmas y misterios a los que el ser humano se enfrenta desde que empezó a cuestionarse su propia realidad y, por ende, su lugar en el mundo y la historia.

Según Mircea Eliade, el arte se produce en esos instantes del tiempo sincopado que vive el demiurgo, es decir, no el tiempo material y mesurable, sino en el tiempo mágico. Los artistas son los demiurgos de la sociedad y ahí, en ello, reside la “utilidad” del arte.

Obviamente, los tiempos han cambiado mucho desde entonces. Nuevas tecnologías, nuevos medios, tanto de comunicación como de “relaciones” humanas, culturales y económicas, pero el sueño y la capacidad de imaginación del ser humano sigue siendo privativa de su intimidad, de su soledad y su entendimiento del mundo. Sin ello, dejaríamos de ser los “inventores” de nuestra propia historia y del mundo.

• ¿Considera que la gente corriente tendría más sensibilidad artística si la asignatura de arte se impartiese por el método de learning by doing en las escuelas?

Si entendemos learning by doing por la praxis en exclusiva, no estoy de acuerdo. No podemos quedarnos solamente en el hecho artesanal. El arte tiene mucho de pensamiento y esto nos lleva indefectiblemente a una educación que tenga en cuenta la filosofía, la literatura, la música, la poesía, etc….es decir, no puede estar desvinculado de una formación plenamente humanista. Esto es lo que realmente sería útil para inculcar la “sensibilidad” en la gente corriente, como Ud., dice. Personas que sean capaces de emocionarse ante un sonido, un color, una estrofa, etc….

Eso es quizá lo que echo de menos en el sistema educativo actual, tanto desde la primaria hasta los estadios de la universidad. El sistema está creando seres “unidireccionales” o, si quiere, de pensamiento único, que digamos, es lo que la realidad socio-económica está demandando con sus grandes eslogans; EMPRENDEDORES. Pero ,¿qué emprender?. El proyecto de un ser alienado o un proyecto de hombre/mujer consciente de su “realidad”, sus dudas, sus incertidumbres, etc….en definitiva, de su vida?.

Creo que es un grave error.

• Todas las culturas tienen una serie de ideales de belleza que aplican en todos los ámbitos de su vida cotidiana. ¿De qué forma ha cambiado el quehacer artístico la industrialización y fabricación de productos en serie los cánones de belleza en el mundo de la pintura y de la escultura? Me explico, colgar un cuadro con gatitos creados de forma industrial o un bodegón pintado a mano.

Pasamos del hecho artesanal a los nuevos medios tecnológicos. Más inmediatos y con un lenguaje muy particular, incluyendo lo que entendemos direccionados hacía los mass-media, las redes sociales, internet, etc…..

Esto no es nuevo del todo, el hecho de pasar de pintar al temple al óleo, significó un gran avance en tanto en cuanto, esta última técnica, fue desarrollada por los propios artistas acuciados por sus necesidades expresivas. Fue un avance pausado, meditado y acorde con la investigación plástica que los artistas realizaban. El “tempo” era diferente, pausado. ¿Puede alguien imaginarse a Michelangelo Buonarroti realizando el David con una impresora 3D? La propia materia, el mármol, es lo que da vida y sentido a esa magnífica creación humana.

En los años 60 del siglo pasado, cuando Andy Warhol “inventa” el Pop-Art, no estaba haciendo nada más que satisfacer a la mujer del salchichero, entiéndame esta frase, como dar al mercado de su entorno inmediato la iconografía que le reclamaba.

Así mismo, pondría Ud., ¿un urinario en el salón de su casa?. Esto es lo Marcel Duchamp llevó a cabo en 1917, cuestionando en si mismo la propia obra de arte. En definitiva, el arte es reflejo de su momento histórico. Otra cosa es que, algunos, consideramos que hemos arribado a una gran confusión. Quizá sea el signo de los tiempos. Tendremos que acostumbrarnos a convivir con ello, de lo contrario seríamos “reaccionarios”.

 Los museos

• Hace algunos años, los museos nacionales eran gratuitos determinados días. ¿Ayuda esta iniciativa a que la ciudadanía valore más su patrimonio artístico?

Entiendo que las instituciones públicas, aquellas sustentadas por el erario público, deben ser gratuitas. Es patrimonio de los ciudadanos. Otra cosa es que, dada la actual situación de crisis de valores, las instituciones públicas recorten sus presupuestos en materia de cultura. También, es el signo de los tiempos, la cultura como espectáculo. Esto requiere de unas grandes inversiones en tanto en cuanto, promoción, imagen etc. y esto lleva a esa combinación entre lo  público y lo privado, que muchas instituciones están llevado a cabo. Creo que una coherente política de equilibrio, entre ambos intereses, sería lo adecuado.

• Las obras de arte no se pueden tocar en los museos. ¿Qué opina de espacios en los museos donde los ciudadanos puedan tocar determinadas obras escultóricas? En el Chillida-Leku se hacían eventos musicales con txalaparta cuando estaba abierto y todos podían tocar las obras expuestas al aire libre.

Si hablamos de las obras expuestas en recintos cerrados, los museos, déjeme ser irreverente. ¿Dejaría Ud. tocar por el público lo más íntimo y preciado suyo? Otra cosa es la obra en el espacio público. Está sometida, incluso, a la inclemencias del tiempo. Pero estará de acuerdo conmigo que, cuando el David de Michelángelo se traslada desde la Piazza della Signoria en 1873, para protegerla de eventualidades naturales, terremotos, etc y, de actos vandálicos (no existía en ese momento el “supuesto” arte del grafitti), en algo hemos ganado a la hora de preservar esta maravillosa obra para deleite en el futuro.

La conservación del patrimonio nos compete a todos. No solamente a los departamentos de conservación de los museos, también a nosotros como ciudadanos respetando lo que será el legado para futuras generaciones.

Una cosa es que, al amparo de una muestra se puedan organizar actividades paralelas, pero no soy partidario de crear confusión. Si queremos, como anteriormente me preguntaba Ud., sensibilizar a la gente corriente, lo primero que debemos hacer es respetarnos nosotros mismos.

Últimamente, y retomo lo anteriormente expuesto en la pregunta anterior, se está produciendo un fenómeno de confusión, a mi modo de entender, y es convertir a los centros de arte en casi discotecas o espacios de ocio ajenos al arte en aras de “fidelizar” público. ¿Pero no habíamos quedado en que hay que reivindicar las enseñanzas artísticas en el sistema educativo?

Creo que nos movemos en la confusión y, como antes dije, es posible que sea el signo de los tiempos.

• Cuando una persona poderosa compra obra de Goya, Kandinsky, Klee o Botero, ¿no está usurpando al ciudadano el placer de contemplar esa obra en un museo?

No estoy de acuerdo en absoluto con esa afirmación. Si no hubiese sido por los mecenas, muchas obras no habrían sido creadas y, posteriormente, expuestas al público.

En España tenemos un ejemplo que define esta afirmación. ¿Qué hubiera sido si Thyssen-Bornemisza no hubiese llegado a un acuerdo con el estado español para que su colección formase parte de nuestro actual patrimonio?

Sencillament, que el patrimonio del estado español, que solamente cubre hasta el siglo XIX, no era suficiente para mostrar el devenir del arte. Había un gran vacío, todo el arte del siglo XX era inexistente en España y, actualmente, el erario público no tiene recursos para cubrir esa carencia.

Así pues, sea bienvenida la participación de “los poderosos” como Ud., define.

Comprar adornos

• La gente corriente compra adornos para exponerlos en sus viviendas. ¿Es kitsch y cómo define usted lo kitsch?

Cada momento, cada tiempo, tiene sus, digamos, peculiaridades y gustos estéticos.

Hace muchos años, la gente compraba unas muñecas que representaban una bailaora flamenca y la situaban encima del televisor. Hoy en día, estas mismas muñecas se pueden adquirir en las tiendas de souvenir, pero ya nadie las pone encima de su televisor. Suelen convivir en sus domicilios con gadgets relativos a la guerra de Las galaxias. Allá cada cuál con sus gustos.

No voy a entrar a enjuiciar algo que corresponde a la libertad individual de cada cual.

• Cuando los turistas compran un recuerdo, a veces compran un torero en miniatura manufacturado de forma industrial que después tiran a la basura. ¿De qué forma se podría dignificar el arte o la artesanía para que no sólo llegase a los entendidos en la materia?

El arte y la artesanía son cosas diferentes. Recientemente, en los aeropuertos canarios, en la recogida de equipajes, donde se recibe a los turistas, unas grandes luminarias, con todo lujo de presentación y detalle, promocionaban ARTE CANARIO. Sabe Ud., ¿que es lo que se representaba en las imágenes?. Elementos de la artesanía, cuchillos, vasijas de barro, etc….

Este hecho es responsabilidad de las instituciones públicas. Dignificar significa poner en su justo valor los conceptos y hechos sin menospreciar a ninguno. Solamente dar información veraz.

Los artistas en Canarias

• Si preguntamos a un ciudadano corriente si conoce a un pintor o escultor canario, lo más probable es que diga que no conoce a ninguno. ¿A qué cree que se debe esto?

Hay muchos factores que inciden en este problema. El primero y más importante, es la actual situación fiscal de Canarias respecto a nuestro entorno inmediato.

Otro de los factores, que no deja de ser derivado del primero, es que no se ha creado un mercado estable. Y cuando digo un mercado estable, me refiero al hecho del intercambio entre los agentes de la cadena de gestión y promoción del arte. Esto es, las galerías de arte.

• Debido al estatus fiscal de Canarias, los artistas se ven con innumerables trabas para vender obra fuera de las islas. ¡Cuéntenos qué tipo de trabas son!

El problema surge de las figuras impositivas de los diferentes territorios. Es decir, en España y por ende la Unión Europea, la figura es el Impuesto de Valor Añadido (IVA). En Canarias, tras la incorporación de España a la Unión Europea en 1986, Canarias para mantener un status que venía desde su incorporación a la Corona de Castilla, es decir “los puertos francos”, negoció con España y, a su vez con Europa, una singularidad recogida en su estatuto de autonomía, es decir, El Régimen Económico Fiscal (REF) de Canarias, el cual dotaba a Canarias, supuestamente, de una situación ventajosa teniendo en cuenta la lejanía y situación ultraperiférica del archipiélago. Esto devino en una figura fiscal diferente, el Impuesto General Indirecto Canario (IGIC). Pero la trampa, a mi entender, es que esta realidad nos dejaba fuera del territorio Español y Europeo a niveles fiscales. Es decir, en la práctica, Canarias es un territorio externo a la UNIÓN EUROPEA, tal que Estados Unidos, etc.

• ¿Se encuentran los artistas canarios en desventaja en comparación con los artistas de la península a la hora de comprar materiales para realizar su labor?

Las trabas devenidas por esta situación es que los artistas canarios y, también los galeristas, deben afrontar unos avales aduaneros inasumibles económicamente hablando. Esto supone el estrangulamiento de un sector de la cultura, quiero recalcarlo, española. Es decir, política, social y culturalmente hablando, somos españoles y europeos, pero fiscalmente extranjeros dentro del espacio que nos pertenece por derecho propio.

La traba es la armonización fiscal que el artista y el galerista debe satisfacer antes de realizar la operación imponible, es decir, antes de vender su obra.

• ¿Está ahogando el sistema fiscal aplicado a Canarias la creación artística autóctona?

Por supuesto. Como he explicado en la pregunta anterior, este hecho conlleva la no presencia de los/as artistas canarios en los círculos de debate, promoción y desarrollo natural del sector, con lo que ello tiene de “agravio” comparativo con nuestros/as compañeros/as del territorio nacional.

Desde la Asociación Islas canarias de Artistas Visuales (AICAV), que presido desde 2014, hemos estado trabajando en las instituciones públicas legislativas nacionales y de la Comunidad Autónoma, para corregir y subsanar este “monumental error”.

El estatus fiscal de Canarias en materia de arte

• ¿Qué debía hacer hasta ahora en Canarias un artista para vender obra a la península o al extranjero?

Actualmente, y hasta que no se apruebe en el Congreso de Los Diputados la Ley de Reforma de la Ley 19/1994 (Ley del REF), la situación sigue siendo la misma. Es decir, un artista que quiera enviar su obra al territorio nacional o europeo para su exposición, debe satisfacer en aduanas un aval que implica el 21% del valor declarado de la obra y, por un tiempo limitado de 6 meses, prorrogables otros 6 meses, renovando ese aval aduanero.

Si a esto, le añadimos el coste de transporte, no olvidemos que vivimos en un archipiélago, los gastos que debe asumir un artista, son inasumibles.

Lo mismo sucede con artistas nacionales y europeos que deseen exponer su obra en Canarias.

• ¿Podrán vender obra al extranjero los artistas canarios por internet a partir de ahora?

Todo esto está dependiendo del pleno del Congreso de Los Diputados, que presumiblemente será en septiembre.

De todas formas, no creo mucho en la venta de arte vía internet. La obra de arte y, su posible comprador, son muy especiales. Necesitan, digamos, verse las caras. Internet sirve de promoción, de escaparate, pero no para el acto transaccional.

• ¿Qué ha cambiado estos últimos días en materia fiscal para los artistas canarios?

El pasado 28 de junio, en la Ponencia de la Ley 19/1994, se aprobó por unanimidad de todas las fuerzas políticas representadas en el Congreso, una enmienda a la Ley 19/1994, redactada por AICAV.

Figurará, una vez aprobada la Ley, como artículo de Ley 25bis y, cuyo enunciado  y texto es:

7. Fomento de cultura:

“Artículo 25 bis. Fomento de los intercambios de objetos culturales.

Teniendo en cuenta la condición de región ultraperiférica de Canarias, y con el objeto de fomentar el intercambio cultural, los objetos de arte que, con motivo de una muestra o exposición, se trasladen desde Canarias al resto del territorio español y europeo, o a la inversa, y se introduzcan en dichos territorios al amparo de una exportación temporal exenta del Impuesto sobre el Valor Añadido o del Impuesto General Indirecto Canario, podrán permanecer en dichos territorios durante un plazo má- ximo de 24 meses, a instancia del interesado, salvo que éste demostrase la necesidad de una prórroga de tiempo mayor, y podrán regresar a Canarias según el itinerario más razonable a dicho desplazamiento, sin que se exija en relación a los mismos ninguna garantía para afianzar el pago de los impuestos exigibles con ocasión de la importación.

En relación con dichos bienes, se devengaráel impuesto correspondiente de acuerdo con lo dis- puesto en la normativa específica de cada tributo, una vez realizado el hecho imponible fijado en la Ley.

A efectos de lo dispuesto en este artículo, se entiende por objeto de arte, las pinturas y dibujos re- alizados a mano y las esculturas, grabados, estampas, litografías, y cualquier otra definición de objeto de arte según la evolución de la técnica, la ciencia y el sector, siempre que, en todos los casos, se trate de obras originales”.

¿Cuál es el significado de este artículo?. Pues sencillamente que los/as artistas y galeristas podrán exportar e importar obras de arte de forma temporal durante un periodo de 24 meses sin tener que satisfacer desembolso económico alguno. Solamente, pagarán sus impuestos correspondientes (IVA o IGIC), una vez hecha la transacción económica en el territorio en que se lleve a cabo la operación. No es la panacea que reclamábamos, pero desde luego, alivia y da márgenes más que razonables para estimular el mercado del arte entre Canarias- España-Europa-Canarias. Para los artistas, se abre la posibilidad, de poder asumir personalmente la gestión de su profesión.

Pregunta íntima

•  Si volviese a nacer, ¿sería artista?

Si, pero habiendo nacido en un país más respetuoso para con su cultura y sus artistas.

 

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